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Die Arbeiten der US-amerikanischen Künstlerin Isca Greenfield-Sanders wirken wie eine nostalgische Reise in die Vergangenheit. Ihre Werke basieren auf von ihr gesammelten Fotografien aus den 1950er- und 1960er-Jahren – meist gefundene Urlaubsschnappschüsse, die häufig Strandszenen zeigen. Diese überträgt sie in einem vielschichtigen Prozess mithilfe eines Gittersystems auf die Leinwand und übermalt sie anschließend. Die Bilder werden dabei von einem Medium ins andere „übersetzt“ – eine visuelle Transformation, die die Grenze zwischen Fotografie und Malerei verschwimmen lässt.

Greenfield-Sanders’ Arbeiten wecken kollektive Erinnerungen: alltägliche Szenen, wie man sie aus Familienalben kennt – Spaziergänge am Strand, spielende Kinder und Momente der Geborgenheit. Ihre Werke wirken verspielt und zugleich zerbrechlich – sie halten friedliche Augenblicke fest, die jedoch nur als Echo der Zeit weiterleben.

Raïssa Venables ist eine US-amerikanische Fotografin, die durch ihre einzigartigen Fotoinstallationen internationale Anerkennung gefunden hat. Ihre Bildkompositionen sind geprägt von verzerrten, fallenden Linien, die den Blick des Betrachters förmlich in das Bild hineinziehen. Aus zahlreichen Fotografien von Innenräumen, Objekten und Alltagsgegenständen setzt die Künstlerin ihre Bilder digital zusammen und komponiert sie mit großer Sorgfalt zu mehrperspektivischen Werken, die oft an die Grenzen der Realität stoßen. Die Wahrnehmung selbst wird herausgefordert, denn die überladenen Bilder erzeugen ein Gefühl von Anspannung und Klaustrophobie, während der Betrachter gleichzeitig tranceartig in Orientierungslosigkeit verfällt. Seien es Zelte, Aufzüge oder Innenansichten von Räumen – Venables’ Bilder zeigen das pulsierende Eigenleben dieser Orte.

Alle drei Arbeiten von Jyrki Parantainen in der aktuellen Ausstellung der Stiftung Reinbeckhallen, a touch of playfulness, gehören zu der Serie Dreams and Disappointments aus der Mitte der 2000er Jahre. Sie sind Bilder von Bildern. Seit Jahrzehnten fotografiert der Konzeptkünstler Landschaften und arrangierte Szenen, die er mit Wörtern und Sätzen überlagert und durch das Anbringen von Stecknadeln und Metalldrähten auf der Oberfläche verfremdet. Indem Parantainen Sprache und zusätzliche Materialien in sein fotografisches Werk einbezieht, eröffnet er Assoziationsketten und lädt den Betrachter dazu ein, über das Nicht-Abgebildete nachzudenken.

Die Zugänglichkeit ist unbestreitbar eine der wichtigsten Eigenschaften der Druckkunst. Von der Produktion bis zur Rezeption bietet diese Kunstform ein enormes Potenzial, kulturelle und gesellschaftspolitische Debatten zu initiieren. Besonders in Verbindung mit den Aktivitäten der lokalen Werkstatt Neue Drucke und im Dialog mit unserem Ausstellungsprogramm leistet die in 2018 erworbene Serie von Plakaten kubanischer Künstler*innen einen wichtigen Beitrag für den Sammlungsschwerpunkt Kunst, die den gesellschaftlichen Diskurs befördert.

Diese Anschaffung war das Ergebnis der ersten größeren Kooperation der Stiftung Reinbeckhallen mit der Werkstatt Neue Drucke – die seit 2017 von Ulrike Koloska in den Reinbeckhallen geleitet wird – im Rahmen von Otro amanecer en el trópico, einer Ausstellung, die eine Bestandsaufnahme von zeitgenössischen künstlerischen Praktiken in und um Kuba präsentierte.

In Vorbereitung der Ausstellung verschaffte eine von der Kuratorin Tereza de Arruda koordinierte Recherchereise nach Havanna einen umfassenden Überblick über die Kunst- und Kulturszene der Inselhauptstadt, der sich zum einen auf die staatlichen Institutionen, zum anderen auf die nicht-institutionalisierten Kunstinitiativen und die Künstler*innen selbst konzentrierte.

Der ostdeutsche Fotograf Roger Melis begann seine Karriere nach einer Fotografielehre in Potsdam Ende der 1950er zunächst als wissenschaftlicher Fotograf an der Charité, einem Krankenhaus in Ost-Berlin. Etwa zur gleichen Zeit wurde Melis gebeten, deutsche Künstler*innen, Schriftsteller*innen und Sänger*innen für ein Buch zu fotografieren, aber das Projekt wurde bedauerlicherweise nie realisiert. Trotzdem wurden seine Fotografien damals weithin gefeiert und auf beiden Seiten der Berliner Mauer publiziert, was dazu führte, dass Melis Ende der 1960er Jahre beschloss das Krankenhaus zu verlassen, um ausschließlich als freiberuflicher Fotograf zu arbeiten.

Mehrere dieser Porträts, darunter ein eindrucksvolles Bild von Christa Wolf aus dem Jahr 1968, befinden sich in der Sammlung der Stiftung Reinbeckhallen. Auf dieser Schwarz-Weiß-Aufnahme ist die renommierte ostdeutsche Schriftstellerin zu sehen, wie sie in ihrer eigenen Wohnung mit gefalteten Händen an einen Stuhl gelehnt sitzt und den Fotografen und seine Kamera aufmerksam anschaut. Es ist eines von vielen Porträts, die Melis aufgenommen hat und die damals wie heute prominente Kulturschaffende der DDR ins Rampenlicht stellen.

Nina Ansari (geb. 1981 in Teheran) hat ein umfangreiches Oeuvre von Installationen über Malerei und Skulptur, Zeichnungen, Drucke und Fotografie geschaffen. Mit dieser Vielschichtigkeit behält sie sich eine künstlerische und konzeptionelle Freiheit vor. So unterschiedlich die verwendeten Medien sind, so sind sie geeint durch Ansaris Biographie, die sich wie ein roter Faden durch ihr Schaffen zieht. 

Ihre Familie floh vor dem ersten Golfkrieg nach Deutschland als Ansari vier Jahre alt war. Ein Schlüsselmoment im Iran war, als das Hausinnere für kurze Momente durch Bombeneinschläge erhellt wurde. Das blitzartige Erhellen führte zu einer neuen Wahrnehmung der Realität. In ihrer Diplomarbeit Der Blick in die Fotografie (2010) setzte Ansari sich „mit unserem Sehsinn, dem menschlichen Auge, dem `Sehen´ und dem `Blick´ auseinander“ und untersuchte mit der Kamera die Komplexität unserer Wahrnehmung. Die Rolle, die sie selbst als Künstlerin einnahm, beschreibt sie als eine aktive, die Kamera als Waffe, den Rahmen als konzeptionell. Ziel war, den Handlungsspielraum der Fotografie zu definieren. Sie sagt heute in Retrospektive, sie habe diesen für sich ausgereizt und damit für sich das Thema der Fotografie beantwortet.